Foro EliteClásica.com

De nuevo con otra guía de la mano de los amigos de medieval.org, concretamente de Bruno Cornec, a quien se agradece su labor divulgativa.
Decimos "una" porque no es nada definitivo ni exhaustivo (en la música, nada lo és) si no una de tantas aproximaciones a un periodo muy importante y con la sencillez y la claridad justa para el iniciado; quien sabe si también para el aficionado o veterano.
De nuevo pido disculpas por errores en la traducción y solicito vuestra comprensión para los archivos sonoros, que si bien están casi todos los de la lista confeccionada por el señor Cornec, algunos van a ser sustituidos por otros ante la imposibilidad de encontrarlos.
Espero que la disfruten y se diviertan; tómenlo con calma son más de doscientas referencias musicales y un capítulo dedicado a Bach.


Una guia de la música del Barroco

El siglo XVII fue obviamente construido sobre la música del siglo anterior, en que se trataba de perfeccionar primero lo que los maestros del Renacimiento habían hecho, y luego introduciendo nuevas formas de música (ópera, oratorio, concierto, sonata).

El primer país a tener en cuenta al examinar la historia de la música barroca es Italia. Todas las nuevas formas surgieron de allí.

El deseo de imitar el coro de la tragedia griega llevado al concepto de la ópera, nació en Italia alrededor de 1600, y es una parte importante de la evolución del estilo vocal secular. Algunos compositores, como Caccini, comenzaron a cambiar el papel de la voz para aumentar la expresión personal y la fidelidad al poeta, en la tragedia y la comedia…

01-Giulio Caccini (1550-1618) : Le Nuove Musiche (1601-1614)
M. Figueras, H. Smith, R. Clancy, J. Savall, X. Schindler


02-Orazio Vecchi (1550-1605) : L'Amfiparnasso (1597) - Il convito musicale (1597)
Ensemble Clement Janequin - D. Visse


03-Claudio Monteverdi (1567-1643) : Il Secondo Libro de' Madrigali (1590)
Concerto Italiano - R. Alessandrini


En estas obras, los autores se anticipan al futuro mediante el uso de sorprendentes efectos armónicos. Que constituyen la frontera entre el Renacimiento y el Barroco.

Monteverdi, aunque no el primero en componer una ópera, fue sin duda el maestro que fija ese género, que sirve de base para todos los compositores de ópera posteriores. Entre 1607 y 1642, la evolución de este género se convirtió en irreversible e influye en toda la música compuesta después. La expresión, la relación entre texto y música, se pone en primer plano.

04-Claudio Monteverdi : L'Orfeo (1607) Il ritorno d'Ulisse in Patria (1614)
l'incoronazione di Poppea (1642)
Monteverdi Ensemble - Opernhaus Zürich - N. Harnoncourt



Monteverdi también modificó el estilo de los madrigales teniendo en cuenta esta evolución, y sirvió como modelo para sus contemporáneos en este género.

05-Claudio Monteverdi : Il sesto libro de magrigali (1614)
Concerto Italiano - R. Alessandrini


06-Tarquinio Merula (1594-1665) : Arie e Capricci (1633, 1638)
M. Figueras, J.P. Canihac, T. Koopman, R. Lislevand, J. Savall


07-O primavera - Luzzaschi, Caccini, Marini, Frescobaldi, Monteverdi, Rossi...
C. Bott - New London Consort - P. Pickett
Disco no encontrado, se cambia por este otro:
-Primavera – Les Voix Humaines
S. LeBlanc, D. Taylor


Lo anterior permite una comparación entre dos de los libros de madrigales de Monteverdi, y muestra cómo logró poner el drama en la música. Las obras de Merula ilustran cómo la voz y los instrumentos juntos pueden dar lugar a la emoción. La colección de este último atraviesa toda la época barroca.

Las generaciones siguientes extienden este estilo a su apogeo, de modo que la ornamentación y el virtuosismo se añaden directamente a la expresión emocional.

08-Giovanni-Felice Sances (1600-1679) : Motetti e cantade a voce sola
Concerto Soave - M.C. Kiehr - S. Moquet M. Spaeter J.M. Aymes C. Pluhar
Disco no encontrado se cambia por este:
-Giovanni-Felice Sances – 17Th century music for sopranos, harp & guitar
Musica Fabula – J. Walters


09-Giacomo Carissimi (1605-1674) : Duos and Cantatas
A. Mellon - R. Jacobs - A. Zweistra - Y. Reperant - K. Junghänel


10-Alessandro Scarlatti (1660-1725) : Cantate e Duetti
C. Miatello - C. Cavina - G. Fagotto - L. Scoppola - R. Alessandrini
Disco no encontrado, se cambia por:
-Alessandro Scarlatti –Con voce festiva
I. Poulenard – Les Passions – J. M. Andrieu


11-Antonio Caldara (1670-1736) : Medea and other cantatas for alto solo
G. Lesne - Il seminario musicale


12-Francesco Durante (1684-1755) : Duetti da camera (1720)
J. Nelson - R. Jacobs - W. Kuijken - W. Christie
Disco no encontrado y difícil localizar algo de este compositor. Aunque no tiene que ver con la temática, sólo para aproximarnos a Durante, algo de su música con instrumentos:
-Francesco Durante –Concerti
Concerto Koln

La popularidad de la ópera se propagó más allá de Italia, gracias a los compositores que fueron invitados a mostrar este nuevo arte. Un ejemplo es Luigi Rossi, que llegó a la corte de Francia en 1646, acelerando el desarrollo de la ópera en ese país.

13-Luigi Rossi (1597-1653) : Orfeo (1647)
A.Mellon M. Zanetti N. Rime S. Piau Les Arts Florissants - W. Christie


14-Pier Francesco Cavalli (1602-1676) : Xerse (1654)
R. Jacobs, J. Feldman, A. Mellon, G. de Mey, Concerto Vocale - R. Jacobs


15-Antonio Vivaldi (1678-1741) : Dorilla in Tempe (1726)
M.C. Kiehr J. Elwes P. Cantor J. Nirouet - Ens. Baroque de Nice - G. Bezzina


Pero el enriquecimiento de la música se reflejó más allá de la belleza del texto, afectando no solamente al arte secular. En Italia, tenemos el nacimiento del oratorio (una especie de ópera sagrada) y cantatas religiosas o grandes motetes, inspirados por la misma voluntad de iluminar el texto para una música más expresiva. Las siguientes composiciones, representativas del “stilo antico" (estilo antiguo) proceden directamente del arte renacentista.

16-Adriaan Willaert (1490-1562) - Gabrieli : Venetian music for double choir
Ensemble Currende - Concerto palatino - E. van Nevel


17-Claudio Monteverdi : Missa in illo tempore a sei voci (1610)
La Chapelle Royale - P. Herreweghe


18-Pier Francesco Cavalli (1602-1676) : Requiem (1675) Musiche sacre (1656)
Akademia - F. Lasserre


El mismo trabajo en las palabras y su relación con la música (como en la ópera) se ha hecho, para crear el "estilo moderno" agregando “ affeto” al arte antiguo. Monteverdi se representa en los dos estilos, es de nuevo el maestro de quien todos se inspiraron. De hecho, su contribución al “stilo antico" era un homenaje a los antiguos maestros del Renacimiento.

19-Monteverdi : Motets for 1, 2 and 3 voices (Salve regina, O quam pulchra es...)
G. Lesne B. Lesne J. Benet J. Cabre - Il seminario musicale – Tragicomedia


20-Monteverdi : Vespro della beata Vergine (1610)
M. Figueras G. de Mey M.C. Kiehr D. Carnovich - La Capella Reial - J. Savall


21-Monteverdi : Vespro della beata Vergine (1610) - Magnificat a 6
Monteverdi Choir - English baroque soloists - J.E. Gardiner


22-Alessandro Grandi (1577-1630) : Vulnerasti Cor Meum (1610-1630)
E. Scholl M.C. Kiehr R. Jacobs A. Scholl G. Türk O. Rastbichler
9377629-8d8

Las Vísperas son los sagrados chef d'oeuvre de Monteverdi, en el que explora todas las posibilidades para alabar a la Virgen, dando un relato maravilloso de la época veneciana.

Por su variedad y la constante ilustración del texto por la música, Monteverdi allanó el camino para el oratorio (el primer término se utiliza en 1640).

23-Luigi Rossi (1597-1653) - Oratorio per la settimana Santa - Un peccator pentito
A.Mellon J. Feldman G. Lesne D. Visse - Les Arts florissants - W. Christie


24-Giacomo Carissimi (1605-1674) : Historia of Jephte - Marazzoli : 2 oratorios
J. Koslowsky M.-C. Kiehr G. Türk W. Jochens - Cantus Köln - K. Junghänel
Disco no encontrado, se cambia por este otro:
Carissimi- Jephte/Jonas – Monteverdi Choir – English Baroque Soloist- J. E. Gardiner


25-Alessandro Stradella (1644-1682) : San Givanni Battista (1675)
C. Bott G. Lesne P. Huttenlocher - Les musiciens du Louvre - M. Minkowski


26-Alessandro Scarlatti (1660-1725) : Cain il primo Omicidio (1707)
G. Banditelli C. Miatello C. Cavina - Europa Galante - Alessandrini/Biondi

Muchas gracias, Abendrot. Es un trabajo esplendido (no salen hoy los acentos ). Voy poco a poco con esta nueva guia.

Que bueno Abendrot. Muchas gracias. Es un periodo musical que me gusta mucho.

Erizo Rojo escribió:Que bueno Abendrot. Muchas gracias. Es un periodo musical que me gusta mucho.

A mi me pasa lo mismo.

Abendrot, muchas gracias por tu trabajo, y ahora a poner el nuestro a la altura del tuyo.

Gracias Abendrot . como disfruto de esta guía, gran trabajo lo estoy disfrutando y aprendiendo más.
Cómo no tener voz de locutor y hacer de esta guía una especie de podcast, quizás un día alguien lo intente.
Espléndido trabajo el que estás realizando.

La expresión de la voz sola fue también apreciada para hacer que dichos trabajos contuvieran textos más fuertes y dramáticos, como motetes religiosos:

27-Alessandro Scarlatti : Lamentazioni per la Settimana Santa (1706)
N. Rime - M. Lins - Le parlement de musique - M. Gester


28-Alessandro Scarlatti : Motets
G. Lesne - V. Gens - Il Seminario Musicale


29-Antonio Vivaldi (1678-1741) : Salve Regina RV616 RV618 Violin Concerto RV581
G. Lesne - F. Biondi - Il Seminario Musicale


30-Antonio Vivaldi : Stabat Mater RV621 Nisi Dominus RV608
G. Lesne - M. Minkowski - B. Cocset - P. Monteilhet - J.C. Ablitzer


31-Baldassare Galuppi (1706-1785) : Motets
G. Lesne - V. Gens - P. Harvey - Il Seminario Musicale


32-Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) : Salve Regina - Stabat Mater
M. van der Sluis G. Lesne F. Biondi M. Naddeo H. Kurosaki - R. Clemencic
Disco no encontrado y cambiado por este:
Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) : Salve Regina - Stabat Mater
B. Bonney - A.Scholl – Les Talens Lyriques – Ch. Rousset



Italia llevó también otra revolución en el ámbito de la música instrumental. El Renacimiento dejó un legado de instrumentos como Cromornos, Sacabuches, Chirimías, pero aquí nos encontramos con nuevos instrumentos como el clavicémbalo, violín, flauta travesera - y sobre todo- nuevas formas en la música.

Los primeros instrumentos que se benefician de las mejoras técnicas y para tener éxito con los oyentes, fueron en ese país los instrumentos de teclado.

33-150 years of Italian music (1575-1725)
Rinaldo Alessandrini (Harpsichord)


34-Girolamo Frescobaldi (1583-1643) : Works for Harpsichord
Gustav Leonhardt


35-Girolamo Frescobaldi : Harpsichord works
Colin Tilney


36-B. Storace : Selva di varie compositioni d'intavolatura per cimbalo (1664)
Rinaldo Alessandrini
Disco no encontrado se sustituye por este:
B. Storace : Selva di varie compositioni d'intavolatura per cimbalo (1664)
Fabio Bonizzoni


37-Alessandro Scarlatti (1660-1725) : Toccate per cembalo
Rinaldo Alessandrini


Todas estas piezas muestran las contribuciones del barroco a la práctica del teclado: nuevas formas, como tocatas, partitas, ricercares, cappricios (cuyo nombre indica el carácter de estas obras). Un gran número de efectos se utilizan aquí, como con la voz, para romper las progresiones e ilustrar el virtuosismo del compositor / intérprete. En el ámbito de la modulación armónica y la suspensión rítmica, Frescobaldi y más tarde Alessandro Scarlatti van a dar un conjunto de ejemplos en los trabajos mencionados anteriormente. Y crearon un camino para Domenico Scarlatti (hijo de Alejandro), que con sus 555 sonatas, dio un maravilloso mundo, auto-suficiente, para la posteridad. Su genio en el ritmo, la inspiración y la musicalidad hacen uno de los monumentos más altos de la música instrumental barroca. La definitiva versión de estas obras se pueden encontrar en:

38-Domenico Scarlatti (1685-1757) : Complete Keyboard works
Scott Ross (Harpsichord)


(Paro aquellos que no lo suficientemente ricos como para comprar esta serie muy recomendable, aquí hay algunas otras referencias a tener en cuenta)

39-Domenico Scarlatti : Harpsichord Sonatas
Pierre Hantaï (Harpsichord)


40-Domenico Scarlatti : 19 Harpsichord Sonatas
Colin Tilney
No encontrado, escuchemos a Andreas Staier


41-Domenico Scarlatti : 15 Harpsichord Sonatas
Igor Kipnis
No encontrado, escuchamos a Trevor Pinnock


42-Domenico Scarlatti : 56 Harpsichord Sonatas
Scott Ross (Harpsichord)

El segundo instrumento que siguió creciendo en importancia durante el siglo XVII era el violín. Viniendo de la viola, la lira y otros antiguos instrumentos de cuerda y arco, la fuerza del violín en su sonido y el potencial de gran virtuosismo y expresión, lo convirtió en el instrumento preferido de los compositores italianos.

43-Arcangelo Corelli (1653-1707) : Concerti Grossi Opus 6
La petite Bande - S. Kuijken


44-Francesco Maria Veracini (1690-1768) : 5 Ouvertures #1,2,3,4,6 (1716)
Musica Antiqua Köln - R. Goebel


45-Giuseppe Tartini (1692-1770) : Sonatas for violin Op. 1 #4,9,10 Op. 2 #7
F. Biondi - M. Naddeo - R. Alessandrini - P. Monteilhet


46-Francesco Geminiani (1687-1762) : 5 Sonatas (2 Vls) & 2 Concerti Grossi
Purcell Quartet & Purcell Band


47-Francesco Antonio Bonporti (1672-1749) : Serenatas & Concertinos
Luigi Mangiocavallo, Marco Mencoboni, Claudio Ronco


48-Pietro Locatelli (1695-1764) : 4 Sonatas & Capriccio "Prova del'Intonatione"
Elizabeth Wallfisch, Richard Tunnicliffe, Paul Nicholson - Locatelli Trio


Alrededor del violín, dos nuevas formas musicales aparecieron: el concierto (así como el Concerto Grosso) y la sonata, mostrando que el violín es también muy adecuado para música de cámara. Uno de los grandes maestros italianos es, sin duda, el violinista y compositor Antonio Vivaldi:


49-Antonio Vivaldi (1678-1741) : "L'Amoroso" RV271 (violin) RV159 (strings) RV540
S. Standage - R. Goodman - L. Beznosiuk - The English concert - T. Pinnock


50-Antonio Vivaldi : Le quatro Stagioni (1720) + RV171 + RV163
Europa Galante - F. Biondi


Para los que sienten rechazo por esta grabación se recomienda esta otra:
Il Giardino Armónico


51-Antonio Vivaldi : Concerti RV761 (violin) RV517 (2 viol.) RV547 (violin+cello)
Europa Galante - F. Biondi


52-Antonio Vivaldi : Concerti (RV 402,406,414) and Sonatas (RV 39,42,44) for cello
C. Coin (Cello) - The Academy of ancient music - C. Hogwood


Como queda ilustrado en los discos de Vivaldi, el violín fue utilizado como un instrumento solista, así como en conjuntos de instrumentos de cuerdas. La variedad de ideas musicales es impresionante (a pesar de lo que pensaba Stravinsky -:). Los dos discos de Biondi deben considerarse como obras de teatro, expresado en la música, dada la cantidad de vida en el juego de los instrumentistas.

Los instrumentos de viento cambiaron también, y poco a poco las cornetas y los sacabuches dieron paso a la "Flauta Dulce" y la flauta transversal o travesera, permitiendo más virtuosismo y velocidad de ejecución.

53-Giovanni & Andrea Gabrielli - Giuseppe Guami : Canzoni da sonare
Hespèrion XX - J. Savall
Disco no encontrado y cambiado por este:
Giovanni & Andrea Gabrielli – A Venetian Coronation 1595
Gabrielli Consort & Players – P. McCreesh


54-6 Italian Recorder Sonatas by Colista - Corelli - Mancini - A. Scarlatti
Conrad Steinmann, recorder - London Baroque
Disco no encontrado se cambia por el que se presenta en el ejemplo 56


55-Antonio Vivaldi : Concerti per flauto, Archi e Cembalo Op. 10
F. Brüggen (recorder & dir.) - Orchestra of the XVIIIth century


56-Italian recorder sonatas : Corelli - Barsanti - Bigaglia - Marcello - Veracini
F. Brüggen (recorder) - A. Bylsma (cello) - G. Leonhardt (harpsichord)



Este último es el estilo más virtuoso de la época: La Folía, tema con variaciones. Por otra parte, Vivaldi utiliza la flauta dulce para evocar aves y tempestades.

Ahora sólo tenemos que cruzar los Alpes, para ver que Francia tomó mucho de la música italiana, en ese momento. Desde allí, desarrolló su propio lenguaje musical para llegar a un punto en el que "el pro y el contra" del estilo italiano estaban en conflicto.

El origen de la ópera se puede encontrar en la “comedia-ballet" y en el "aire de cour", como se ilustra a continuación:

57-Airs de cour (Bataille - Ballard - Guedron - Boesset - Moulinié - Boyer)
Marie-Claude Vallin (Sop) - Max von Egmond (Bar) - Lutz Kirchhof (lute)


58-Michel Lambert (1610-1696) : Airs de cour (1689)
A. Mellon - J. Feldman - G. Laurens - Les Arts florissants - W. Christie


59-Sébastien Le Camus (1610-1677) : Airs de cour - Lemoyne : Pièces pour Luth
V. Gens (Soprano) - J.P. Fouchécourt (Tenor) - P. Monteilhet (Theorbe)


Este trabajo sobre la ópera fue posteriormente seguido en Francia por Lully, que fija el estilo de la ópera francesa (principalmente otorgando más peso a la danza y la declamación, inspirado por el teatro, y la introducción de secciones corales). También creó la tragedia musical, gracias al poeta P. Quinault.

60-Jean Baptiste Lully (1632-1687) : Atys (1676)
G. de Mey G. Laurens A. Mellon - Les Arts florissants - W. Christie


61-Jean Baptiste Lully : Phaéton (1683)
H. Crook R. Yakar J. Smith V. Gens - Les musiciens du Louvre - M. Minkowski


62-Marc-Antoine Charpentier (1644-1704) : Médée (1693)
L. Hunt M. Padmore B. Deletré M. Zanetti - Les Arts florissants - W. Christie


63-Marin Marais (1656-1728) : Alcyone (1706)
J. Smith G. Ragon J.P. Fouchécourt - Les musiciens du Louvre - M. Minkowski


La interacción entre las palabras (la alta calidad de estos textos es bastante rara en el ámbito de la ópera, algo que es preciso destacar) y la música dan algunos ejemplos famosos del espíritu barroco: Escuchar la escena del sueño de Atys, o la caída final del Phaeton, son pasajes inolvidables.

También se plantearon otros géneros: la comedia con el ballet, y la cantata secular, ambos inspirados en la ópera y la ampliación de este estilo en todas las direcciones.

64-André Campra (1660-1744) : Cantates françaises (Arion - Enee et Didon...)
J. Feldman D. Visse J.F. Gardeil - Les Arts florissants - W. Christie


En Francia, la música sacra floreció principalmente en forma de “gran motete”. Algunas grabaciones ilustrativas de todo el siglo XVII:

65-Guillaume Bouzignac (1590-1640) : Motets - Te Deum
Les Arts florissants - Les pages de la Chapelle - W. Christie


66-Henry Dumont (1610-1684) : Motets pour la chapelle royale (1657)
H. Ledroit H. Crook G. Laurens P. Kooy - La Chapelle Royale - P. Herreweghe
Disco no encontrado y cambiado por:
Henry Dumont – Motets a Deux Voix
G. De Reyghere – A.Mellon- J. Bowman-G. de Mey
Ricercar Consort


67-Jean-Baptiste Lully (1632-1687) : Grands motets - Dies Iræ - Misere + Dumont
D. Brown G. Laurens H. Ledroit H. Crook - La Chapelle Royale P. Herreweghe
Disco no encontrado y cambiado por este:
Jean-Baptiste Lully (1632-1687) : Grands motets
Le Concert Spirituel – H. Niquet


68-Marc-Antoine Charpentier : Antiennes O de l'avent
A. Mellon J. Feldman G. Laurens D. Visse - Les Arts florissants - W. Christie


69-Marc-Antoine Charpentier : Canticum ad Beatam Virginem Mariam (1671-1684)
M. Figueras M.C. Kiehr G. Lesne J. Elwes - Le concert des nations - J. Savall


70-Daniel Danielis (1635-1696) : Motets for one or two voices, violins and B.C.
A. Mellon, D. Collot, R. Terakado, F. Malgoire, K. Uemura - C. Rousset
Se ha hecho imposible encontrar algo de este compositor…

71-Sebastien de Brossard (1655-1730) : Cantiques sacrez
N. Rime J.P. Fouchécourt I. Honeyman - Le parlement de Musique M. Gester
Disco de difícil localización, se cambia por:
Sebastien de Brossard (1655-1730)-Grands Motets
Coeur de chambre Accentus – Ensemble Baroque de Limoges
Ch. Coin


72-Michel Richard Delalande (1657-1726) : De Profundis and other Motets
Choir of New College, Oxford - E. Higginbottom - King's Consort - R. King


73-Michel Richard Delalande : Dies Iræ - Miserere Mei Deus
La Chapelle Royale - P. Herreweghe


74-Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749) : Chants et motets - Livres d'orgue
Les demoiselles de St Cyr - E. Mandrin - J. Boyer (Organ)
Disco no encontrado y cambiado por este:
Louis-Nicolas Clérambault – Motets pour Saint-Sulpice
G. Lesne – M. Padmore – Il Seminario Musicale

Me ha gustado mucho el De profundis de Delalande, no lo conocía.

Sin embargo, las formas "clásicas" no fueron totalmente abandonadas, y presentan - aunque raras - algunas de las piezas más hermosas de la música barroca francesa.

75-André Campra (1660-1744) : Requiem (~1700)
E. Baudry, M. Zanetti, J. Benet, J. Elwes - La Chapelle Royale - P. Herreweghe


76-Jean Gilles (1668-1705) : Requiem - Diligam Te
A. Mellon, V. Gens, H. Crook, H. Lamy - La Chapelle Royale- P. Herreweghe


A pesar de que no tenemos muchas obras por Gilles, la percusión en el comienzo del Requiem muestra toda la nobleza de esta música.

77-Marc-Antoine Charpentier : Leçons de Ténèbres du Vendredi Saint
A. Mellon G. Lesne I. Honeyman J. Bona - Il Seminario Musicale
Disco no encontrado y cambiado por:
Michel-Richard de Lalande – Leçons de Tenebres
I.Desrochers – M. Buraglia- N. Ben David – P. Trocellier


78-François Couperin (1668-1733) : Leçons de Ténèbres du Mercredy Saint
G. Lesne S. Dugardin J. Cabre M. Bothwell - Il Seminario Musicale


79-François Couperin : Leçons de Ténèbres du Mercredy Saint
J. Belliard - H. Lamy - I. Piveteau - P. Foulon
Disco no encontrado, se cambia por este:
François Couperin : Leçons de Ténèbres
S. Piau –V. Gens – Les Talens Lyriques – Ch. Rousset


80-Jean Gilles : Leçons de Ténèbres - G. Bouzignac : Motets
The Boston Camerata - A. Azema F. Jodry D. Mc Cabe W. Hite C. Kale - Joel Cohen
Dificil encontrar un disco con las “leçons” de Gilles. Lo más parecido el “Requiem” de Gilles por la Boston Camerata y Joel Cohen (sólo como curiosidad)


El género de la “Leçons”, llevado por primera vez a la perfección por Victoria, se limita aquí a una o dos voces, a fin de expresar la grandeza austera del texto. Esta música es la más emocionante que se pueda imaginar.

En Francia, también apareció una rica escuela instrumental, pero al principio se concentró
más en el teclado y el laúd. En este último caso, los compositores formalizaron la suite.

81-François Dufaut (? - 1670?) : Pièces de luth en manuscripts (1640-1670)
Hopkinson. Smith


82-Ennemond Gaultier (1575-1651) : Suites for lute
Hopkinson Smith


83-Robert de Visée (1650-1723) : Suites for lute
Hopkinson Smith


Este instrumento refleja la ambivalencia de la época: grandes preludios yuxtapuestos con encantadoras danzas y melancolícas zarabandas.

Los compositores del teclado mantuvieron el arte de la suite desarrollada por el laúd, junto con muchos efectos de estilo: preludio sin compás (en el que la duración de cada nota se deja al criterio del intérprete), ornamentos, etc. A esto se le llamó "brisé," el estilo roto caracterizado por acordes arpegiados.

84-J. Champion de Chambonnieres (1601-1672) : Suites, Pavanes & Preludes (1670)
Skip Sempé (Harpsichord)


85-Louis Couperin (1626-1661) : Suites and Pavane
Gustav Leonhardt (Harpsichords)


86-Louis Couperin : Pièces de clavecin
Bob van Asperen
Ante la imposibilidad de encontrar el disco, se incluye otra pieza interpretada por Gustav Leonhardt


87-Jean-Henry d'Anglebert (1635-1691) : Pieces for keyboard (1689)
Scott Ross (Harpsichord/Organ)


Aunque Chambonnières es conocido como el padre de la escuela francesa de clave, las verdaderas innovaciones vinieron con Louis Couperin, cuyo estilo parece ser uno de los más completamente desarrollados en términos de invención melódica, poesía y ritmo. Su sobrino François dio cuenta de la apoteosis en este arte, con magníficos trabajos descriptivos, tomando la mejor parte del arte italiano.

88-François Couperin (1668-1733) : Third Book of harpsichord works (1722)
Olivier Baumont (Harpsichords) +D. Moroney


89-The Couperin Family (Louis, François, Armand-Louis) : Harpsichord works
Gustav Leonhardt (Harpsichord)
No ha sido posible encontrar este disco, lo cambiaré por un disco de Francois Couperin interpretado por el magnífico clavecinista Pierre Hantai.


90-Antoine Forqueray (1672-1745) : Suites (1747 by his son)
Gustav Leonhardt (Harpsichord)


En ese momento, no hay distinción entre clavecinistas y organistas. Para la suite de danzas ilustradas por los primeros, sigue el estilo espiritual de los segundos caracterizada por sus misas de órgano.

91-François Couperin : Messe à l'usage des Paroisses (1690)
Jean-Charles Ablitzer (Organ/St Nazaire & Carcassonne/France) - Ens. Organum


92-Noëls pour orgue (Lebegue - Dandrieu - Daquin - Balbastre)
Marie-Claire Alain (Organ/Albi/France)
Disco inencontrable…

93-Nicolas de Grigny (1672-1703) : Organ Mass
Andre Isoir (Organ/St Pierre de Poitiers/France)


94-Nicolas de Grigny : Hymns (1699)
Bernard Courdurier (Historic Organ of Cintegabelle), Ensemble Alternatim
Disco no encontrado, la alternativa es otra pieza del disco anterior


95-Plaint-Chant Parisien - Mass from Christmas Day - Campra - Delalande
Ensemble Organum - Les pages de la chapelle Marcel Pérès (Organ & Direction)


Excepto para el tercero, estos discos son los servicios litúrgicos de las misas completas. También podemos recordar al lector de los 2CDs de Clérambault (mirar arriba-74), que contienen dos suites para órgano, junto con la música vocal.

Esta ilustración es muy importante, como el órgano mantuvo su importancia para los compositores franceses hasta el día de hoy.

Podemos ver que F. Couperin está omnipresente en el campo instrumental, y esto es válido también cuando se examina la evolución de la música francesa para cuerdas.

A diferencia de Italia, la viola siguió mantenido su papel en Francia hasta aproximadamente 1750. Tal vez esto era cierto en parte porque era más fácil conmover a las personas con ese instrumento, con sus sonidos profundos, capaz de expresar la melancolía y exhibiendo gran virtuosismo (junto con el laúd).

96-Monsieur de Ste Colombe (A. Dautrecourt) : Concerts à 2 violes egales (vol 2)
Jordi Savall - Wieland Kuijken


97-Marin Marais (1656-1728) : Pièces de viole (4th Book) (1717)
Jordi Savall (Viol) - Ton Koopman (Harpsichord) - Hopkinson Smith (Lute)


98-François Couperin : Pièces de violes (1728)
Jordi Savall (Viol) - Ton Koopman (Harpsichord) - Ariane Maurette (Basse)


99-Antoine Forqueray (1672-1745) : Pièces de violes
Jordi Savall (Viol) - Ton Koopman (Harpsichord) - Christophe Coin (Viol)


Marin Marais, ahora bien conocido, es un compositor cuyas melodías realmente pueden permanecer en nuestra mente después de haberlas oído. Es la representación perfecta del barroco francés, el arte y las ideas.

El violín fue utilizado en Francia, sobre todo en el contexto de un grupo de instrumentos, en lugar de solo.

100-Jean-Féry Rebel (1666-1747) : Les Éléments - Les caractères de la danse (1715)
Les musiciens du Louvre - Marc Minkowski
Disco no encontrado y cambiado por:
Jean-Féry Rebel (1666-1747) : Les Éléments
The Academy of Ancient Music- Ch. Hogwood


101-François Couperin : Les Nations
Hespèrion XX - J. Savall


La modernidad impresionante de Rebel es realmente un medio para tener una idea de lo que está detrás de la palabra "barroco".

En Francia, la flauta sigue siendo un instrumento amado por los compositores:

102-Marin Marais : 6 suites for Recorder (1692)
K. Boeke - W. van Hauwe - W. Möller - B. van Asperen
-No ha sido posible encontrar este disco

103-Michel de la Barre (1670-1744) : Suite for flute (1710)
S. Preston - J. Savall - B. Verlet - H. Smith


104-Michel Blavet (1700-1768) : 5 sonatas for transverse flute
Masahiro Arita (flute) Chiyoko Arita (Harpsichord) Wieland Kuijken (Viol)
Este disco se cambia por:
Michel Blavet (1700-1768)-“L’Insinuante”
F. Theuns, M. Hantai, M. Bauer


105-J. Marie Leclair (1697-1764) : 5 Sonatas for Flute & B.C. from Op. 1, 2 &
Barthold Kuijken (Transverse Flute), Wieland Kuijken (Viola da Gamba),
Robert Kohnen (Harpsichord)


106-Joseph Bodin de Boismortier (1689-1755) : 8 Son. for 3 Recorders & B.C. Op 7,34
La Fontegara Amsterdam
Se cambia por este disco:
Joseph Bodin de Boismortier (1689-1755) Six suites de pieces
P. Nemeth


No podemos dejar Francia sin mencionar la ya bien conocida música de la película “Tous les matins du Monde (Todas las mañanas del mundo).

107-Tous les matins du Monde (Marais - Sainte Colombe - Couperin - Lully)
C. Coin M. Figueras M.C. Kiehr P. Hantaï F. Biondi - J. Savall...


Ahora que todas las bases están en su lugar, la música francesa puede encontrar su consagración a través de su primer gran compositor: J.-P. Rameau. Mostró su arte en todos los géneros antes mencionados: ópera, música instrumental o vocal. Fue el hijo espiritual de Couperin y Lully.

108-Jean-Philippe Rameau (1683-1764) : Les grands motets
S. Daneman N. Rime P. Agnew N. Rivenq - Les Arts Florissants - W. Christie


109-J.P. Rameau : Les Indes Galantes (Opéra Ballet)
B. McFadden S. Piau N. Rime H. Crook - Les Arts Florissants - W. Christie


110-J.P. Rameau : Castor et Pollux (Tragédie lyrique)
H.Crook J. Corréas A. Mellon V. Gens - Les Arts Florissants - W. Christie


111-J.P. Rameau : Platée (Ballet Bouffon - Comédie lyrique)
G. Ragon J. Smith G. de Mey V. Gens - Les Musiciens du Louvre - M. Minkowski


Después de los motetes, compuestos en su juventud, a partir de 1730 la música de Rameau se compone principalmente de ópera y tocando todos los estilos: ballet, pastorales dramáticos, cómicos, y piezas cortas. Por la importancia que concedió a la coral y la música instrumental en sus óperas, debería ser más considerado como un sucesor de Lully, en lugar de un "enemigo" como la "Querella de los bufones" * ha tratado de ilustrar. Cada uno de los CDs de arriba es de una gran importancia para el conocimiento de este compositor.

*-En 1752, un grupo de artistas se instala en la Academie Royale de musique (futuro teatro de Ópera) de París, con el propósito de representar ópera buffa o cómica como “La Serva padrona” de Pergolessi, algo que había sido vetado en la Academie. Esto suscitó un formidable escándalo que dividió a los sectores de la sociedad musical parisina entre los que estaban por un lado Rameau (que defendía la música y esencia francesa) y por el otro los enciclopedistas cuya cabeza visible era Rousseau, cuyo espíritu era más abierto a nuevas formas musicales.

112-J.P. Rameau : The complete works for harpsichord (1706-1747)
Scott Ross (Harpsichord)


113-J.P. Rameau : Masterpieces of french harpsichord music + Le Roux - Royer - Duphly
G. Leonhardt (Harpsichord)


114-J.P. Rameau : Suite "Les Paladins" (1760)
Orchestra of the Age of Enlightenment - G. Leonhardt


115-J.P. Rameau : Pièces de clavecin en concerts
F. Brüggen - S. Kuijken - W. Kuijken - G. Leonhardt


En especial, quiero subrayar la necesidad de que los principiantes conozcan estas piezas para clave, ya que están entre las mejores de la historia escrita para ese instrumento lleno de encanto y de poesía. El conjunto orquestal muestra el arte que había en Rameau en el uso de la orquesta y de los sonidos de cada instrumento para subrayar un efecto dramático.

Con Rameau, un representante del movimiento "francés" en la "querelle des Bouffons" están representados, a través de algunas de sus obras, los siguientes discos:

116-Jean-Marie Leclair (1697-1764) : Scylla et Glaucus (1746)
D.Brown- H. Crook - Monteverdi choir - English baroque soloists J.E. Gardiner


117-Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772) : Titon et L'Aurore (1753)
J.P. Fouchécourt C. Napoli - Les Musiciens du Louvre - M. Minkowski


118-Antoine Dauvergne (1713-1797) : Les troqueurs (1753) - Concert de symphonies
M. Saint Palais - N. Rivenq - Cappella Coloniensis - W. Christie
Disco no encontrado.

119-Jean-Joseph Mouret (1682-1738) : Les amours de Ragonde
M. Verschaeve, J.P. Fouchécourt - Les musiciens du Louvre - M. Minkowski


Estos son algunos ejemplos de música pastoral (Titón), ópera bufa (troqueurs) o Comédie en musique (Ragonde). No debe ignorarse una de las óperas más hermosas (Scylla), única en la producción de Leclair, en la que muestra su sensibilidad y el refinado arte de la línea musical de los cantantes.

Para continuar con la geografía, ahora se puede cruzar el Canal y llegar a Inglaterra. Aquí, un solo nombre resume el arte de la música instrumental y vocal: Henry Purcell, en la ópera, musicales, másqués de teatro, aires, sonatas en trío, etc

120-Henry Purcell (1658-1695) : Dido and Aeneas
C. Bott, E. Kirkby, J.M. Ainsley- The academy of ancient music - C. Hogwood


121-Henry Purcell : Dido and Aeneas
V. Gens, N. Berg , S. Marin-Degor, C. Brua - Les Arts florissants - W. Christie


122-Henry Purcell : King Arthur (1691)
J.Smith, G. Fischer, A. Stafford, P. Elliott, Monteverdi Choir, J.E. Gardiner


123-Henry Purcell : The Fairy Queen (1692)
N. Argenta, L. Dawson, J.P. Fouchécourt - Les Arts Florissants - W. Christie


124-Henry Purcell : Songs and Airs
E. Kirkby - A. Rooley - C. Hogwood - C. Mackintosh - R. Campbell


125-Henry Purcell : O Solitude, Music for a while (1692)...
A. Deller - W. Kuijken - W. Christie - R. Skeaping


Este último CD muestra toda la melancolía posible, con la expresión musical de la idea en el texto. Para el mismo tipo de ideas, la muerte de Dido nos debería dar escalofríos cuando se escucha. La versión de Christie es una de las más camerísticas, pero con una gran cantidad de energía. Otros compositores para ilustrar el género de la ópera.

126-Matthew Locke (1621-1677) : Psyche
C. Bott - C. Robson - A. King - P. Agnew - New London Consort - P. Pickett


Tanto los motetes (basados en textos latinos) como los Anthems (basados en textos ingleses) se beneficiaron del genio de Purcell.

127-Henry Purcell : Come ye sons of art (1694) Music for funeral of Q. Mary (1695)
F. Lott C. Brett J. Williams T. Allen, Monteverdi Choir & Orch. J. E. Gardiner


128-Music of the "Chapels Royal" - Purcell - Locke - Blow - Humfrey
Monteverdi Choir - English Baroque soloists - J. E. Gardiner
Disco no encontrado

129-Henry Purcell : Hail! Bright Cecilia - Ode for St Cecilia's Day (1692)
Choir of New College, Oxford Higginbottom - King's Consort, R. King


En el primer disco, se encuentra tanto la expresión de la alegría (Sonido de la trompeta) y de gran tristeza (“Tú sabes, Señor, los secretos de nuestros corazones”). El segundo disco es una recopilación de motetes e himnos en tiempos de Purcell.

Ufffff.... monumental trabajo, Abendrot, felicidades. Ahora no puedo, pero esta tarde sin falta le doy un repaso a esta última subida de la guía.